TABURETE 60

La siguiente es una descripción del taburete 60 de Alvar Aalto que aparece en venta en : http://www.artek.fi/products/chairs/128

TABURETE 60

Diseñador: Alvar Aalto 
Año: 1933

Tres patas (60) o cuatro patas (E60, NE60).

Piernas de abedul, lacado natural, lacada en blanco o negro.

Opciones de asiento:

Lámina de abedul, laminado, linóleo, blanco o negro lacado, tapizados con tela o cuero.

Apilable.

3 patas 

Piernas lacado natural: asiento de chapa de abedul laminado asiento blanco, asiento de linóleo negro, asiento negro lacado, asiento lacado blanco, naranja lacado, asiento lacado de color amarillo, asiento lacado en verde, asiento lacado de color turquesa.

Colores: 
Patas pintadas de blanco y el asiento 
Patas pintadas de negro y el asiento

Tapizado: 
Con tela o cuero 


El 60 taburete apilable creada en 1933 por Alvar Aalto (1898-1976) representa la quintaesencia del diseño de mobiliario funcionalista. La idea detrás de esta sencilla heces ya clásico se basa en tres piernas dobladas y un asiento redondo. El secreto del éxito del Aalto originales stool's reside en sus curvas legs'unique que con el tiempo se convirtieron en la característica distintiva de todos los muebles de Aalto. El taburete también está fabricado en una versión de cuatro patas

COMENTARIO 

Bien aquí es bastante claro como se puede generar un equilibrio entre el styling y lo funcionalista, pues esta seria de taburetes son diseños dependientes el uno del otro, son interactivos, son prácticos , son útiles, y son estéticamente agradables . El diseñador Alvar Aalto desarrollo estos taburetes de una manera muy eficiente pues la practicidad y la apariencia de este producto actúan en conjunto de forma equilibrada, lo que va mas allá de solo " diseñar bonito". 

Anderson Gaitan

WANGJING SOHO-ZAHA HADID

Wangjing SOHO es un rascacielos en Wangjing, un suburbio de Beijing, China, entre el centro de Beijing y Beijing Capital International Airport. De acuerdo con Zaha Hadid, arquitecta del proyecto, se trata de una “bienvenida y despedida a Beijing”. Las tres torres curvilíneas asimétricas contienen oficinas y locales comerciales. Originalmente, el SOHO fue diseñado como un complejo de dos torres, pero las preocupaciones debido a la altura de las mismas, hizo que se rediseñara como un proyecto de tres torres de altura máxima inferior.

Diseño

La estructura fue diseñada por la arquitecta iraquí Zaha Hadid. De acuerdo con The Telegraph las paredes curvilíneas de las torres evocan “bailando aficionados chinos”, mientras que Der Spiegel describe el complejo de tres torres como “velas abovedadas que simulan nadar a través de la superficie de la Tierra, vista desde el aire”. Arquitectura News Daily (Arco diario) lo describe como “tres torres curvas cuya brillante piel metálica unifica el complejo ya que cada volumen parece “bailar “alrededor de cada uno”. Pan Shiyi, presidente de la Junta de SOHO China, dijo en una entrevista que el diseño de Wangjing SOHO pretendía evocar la imagen de Koi, un símbolo tradicional chino de la riqueza, suerte, salud y felicidad.

Los paneles de doble curvatura que requiere el diseño arquitectónico se utilizaron como modelos en un programa de software que utilizan Visual Basic operativo en un Rhino, ambiente que posteriormente podrían generar paneles planos y de una sola curvatura basadas en el análisis de la morfología local de los paneles dobles originales. El método del panel de generación basada en software se utiliza para facilitar la racionalización de manufacturados de chapa-paneles y cumplir con las mayores exigencias en términos de requisitos de coste y la complejidad de fabricación.

COMENTARIO

Podemos ver que en la arquitectura también puede tener cierta influencia del styling, pues con obras como las de Zaha Hadid se pueden ver como los diseños de estructuras como estas son tan dedicados a la parte estético-formal, ya que es la apariencia lo que invita  el conocer lugares como estos y lo que hace creer a la gente que es mejor porque es mas bello. Esto puede ser un simple truco de mercadeo. Esto no quiere decir que espacios diseñados por Zaha Hadid no sean funcionales , lo son , pero su enfoque es mas estético que funcional.

Anderson Gaitan

Silla Wassily de Marcel Breuer, pionera en el diseño moderno

La silla Wassily, también conocida como Modelo B3, fue diseñada por Marcel Breuer en 1925-26 mientras era director del taller de ebanistería en la Bauhaus, en Dessau, Alemania. A pesar de la creencia popular, la silla no fue diseñada para el pintor no-objetivista Wassily Kandinsky, quien fue docente simultáneamente en la Bauhaus. Sin embargo, Kandinsky había admirado el diseño completado, y Breuer fabricó un duplicado para la oficina personal de Kandinsky. La silla llegó a conocerse como "Wassily" decenios más tarde, cuando fue re-editada por un fabricante italiano llamado Gavina que había aprendido de la anecdótica conexión con Kandinsky en el curso de sus investigaciones sobre los orígenes de la silla.

La Silla Wassily basada en los tubos de una bicicleta, fue la primera silla tubular del mercado produciéndose y comercializándose inicialmente entre 1926 y 1929 por la firma austriaca Thonet hasta la II Guerra Mundial, cuando la firma cesó su producción. La firma Knoll nos ofrece una versión de esta silla, con ligeros cambios como por ejemplo el revestimiento en piel en lugar de hilo de hierro original. Knoll recuperó este clásico en 1968.

A pesar de este detalle que se contradice con el diseño original no ha perdido ni un ápice de su diseño funcional y moderno. Su nombre se debe a que Wassily Kandinsky era un enamorado de su diseño, de hecho fue el primero en poseer una silla Wassily, regalo personal de su amigo Breuer con quién compartió inquietudes en la Bauhaus de Weimar. Este clásico entre clásicos como muchas otras piezas del movimiento moderno son un complemente indispensable en cualquier estancia minimalista que se precie. Para Breuer "La estructura no es sólo una solución también es un principio y una solución".

COMENTARIO

La silla Wassily es un diseño muy ejemplar para nuestra carrera de diseño industrial porque evidencia como la función formal-estética es tan importante como la función de uso. Fue un diseño exitoso y revolucionario del movimiento modernista  ya que es llamativo y elegante y a la vez es cómodo y útil.

Representa el movimiento modernista con el uso de un material adecuado de la industria,un diseño que función en todos los sentidos y ademas utiliza una proporción geométrica y adecuada.

Anderson Gaitan

SILLÓN F51

El sillón f51 fue diseñado junto con un juego de sofá por el arquitecto y diseñador alemán Walter Gropius ,quien pretendía unir el arte con el diseño, en 1920 para su despacho de director cuando pertenecía a la escuela de cuya fundación fue parte esencial, la Bauhaus,

En esa época era usual que los arquitectos hicieran también el rol de diseñadores y optaran por fabricar su propio mobiliario de tal forma que supliera las necesidades de sus proyectos. El sillón f51 esta compuesto por una estructura de madera hecha a partir de un cubo con unas cuantas abstracciones, el sillón sigue la idea de muchas obras desarrolladas por la escuela tanto en forma como en colores, tiene el tacto minimalista, llamativo y sofisticado que tanto distinguió a la Bauhaus, y contrasta con los materiales que se pueden apreciar en objetos contemporáneos a este, el uso de la madera en vez de el metal le da un carácter fuerte, sin dejar de verse liviano.




Comentario:

Lo que me llama la atención de este objeto y de los diseños de la Bauhaus en general es que después de casi 90 años, sus propuestas siguen siendo vigentes, entonces vemos sillas como esta en todas partes y el minimalismo sigue siendo algo que los diseñadores buscamos en nuestros objetos.

Así que claramente podemos ver que la historia en aspectos generales es un ciclo y aun mas a nivel de diseño gráfico, industrial y arquitectónico, en pleno 2016 seguimos buscando referentes como Walter Gropius o Mies van de Rohe (que dejan ambos su huella en la Bauhaus) por que a pesar de los años y de que el mundo es cambiante, estos exponentes siguen siendo unos titanes.




Por: Paula Andrea Sánchez Sánchez

MONUMENTO A LA TERCERA INTERNACIONAL 

El monumento a ala tercera internacional, también conocido como la Torre de Tatlin fue un proyecto arquitectónico ideado por el escultor ruso Vladimir Tatlin. Diseñado en los años 20's con el objetivo de ser un monumento en honor a la Tercera Internacional. La tercera internacional o internacional comunista fue una organización comunista internacional, fundada en marzo de 1919 .

Se trataba de una torre de 400 metros de altura (mas alta que la Torre Eiffel) de un estilo constructivista que consistiría en una estructura espiral de hierro y acero, volcada hacia un lado en el ángulo del eje terrestre, conteniendo en su interior cuatro estructuras de vidrio con diferentes formas: un cubo, una pirámide, un cilindro y media esfera. Todos estos elementos rotarían a distintas velocidades. El cubo completaría su giro en un año, la pirámide en un mes, el cilindro en un día y la media esfera en una hora. En su interior se situaría la sede de la Internacional Comunista, así como una oficina de telégrafos y varios restaurantes. Dispondría de una serie de pantallas gigantes por las que se mostrarían las últimas noticias mundiales.

El Monumento a la Tercera Internacional nunca llegó a construirse, pues la guerra civil disparó la carestía de los materiales impidiendo que la Torre de Tatlin pasara de la fase inicial de proyecto.

En el Museo de Arte Moderno de Estocolmo (Suecia), se exhibe una maqueta de la Torre de Tatlin.

COMENTARIO

Este es tan solo un proyecto de arquitectura propio del constructivismo ruso y del cual lo mas cercano físicamente que se encuentra en una maqueta .Este espiral seria un monumento mas alto que la Torre Eiffel. 

Pienso y creo que el diseño de esta torre esta muy bien orientado y seria un placer visual y de gran agrado ver esta estructura tan bien pensada y diseñada en la escala que había sido planeada por el autor.

Anderson Gaitan 

CASA BEHRENS 1901

En 1899 Peter Behrens fue invitado a Darmstadt por Ernst Ludwig ll, Gran Duque de Hesse, donde se convirtió en el segundo miembro de la reciente inaugurada Darmstadt Artists' Colony. En la Colonia, Behrens que inicialmente se formo como pinto, se enfoco a la arquitectura, y construyo su primera casa.

La casa atrajo la atención de la critica en general, durante la Exposicion de 1909 de Darmstadt, por sus muebles, accesorios, e interiores que, a pesar de alejarse de las formas Art Nouveau que habían caracterizado gran parte de la temprana producción de Behrnes, fue realizada con costosos materiales y acabados. Peter Behrens se quedo en Darmstadt hasta 1903 y luego se traslado a Dusseldorf, donde fue nombrado director de la Kunstgewerbeschule.

La casa Behrens fue parcialmente destruida durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial en Darmstadt, pero posteriormente fue reconstruida por su propietario en ese momento Auguste zy Hone.

Comentario:

La casa Behrens es una muestra de como los arquitectos interpretaban el trabajo de hacer casas, estas no solo eran una construcción de vivienda sino que también eran una obra de arte, el arte de la vida cotidiana, este concepto fue adoptado luego por varios modernistas. Esta construcción afianza la idea de obra de arte total, todo en la casa, desde los mueblas hasta las decoraciones y el jardín fue diseñado por Peter Behrens. La casa tiene cierto aire Art Nouveau, pero su forma esbelta, su pronunciada cubierta piramidal, sus hastiales y su buhardilla no presentan demasiada diferencia con tatas otras casas alemanas burguesas de la época.
Peter merece quedar siempre en la historia no solo por ser el padre del diseño industrial sino por su visión, esa idea de que el diseño debía hacerse cargo que todo lo que pudiera sin descuidar su excelencia, la razón de el eslogan de la Deutscher Werkbund, la asociación de a que hizo parte por muchos años, que decía "desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades".

Paula Andrea Sanchez Sanchez

Bibliografia: Wiki arquitectura https://es.wikiarquitectura.com/index.php/Casa_Behrens

Relieve de Salammbô- Rene Wiener y Camille Martin

Encuadernacion de Wiener para Salammbo de Flaubert, con esquinas esmaltadas por Camille Martin. Se ve a Moloch, la diosa de la luna Tanit, y a Salambó, a la que se enrosca una serpiente pitón.

Se obtienen las figuras y colores con abstracciones siguiendo la necesidad de Henry cole de el ornamento abstracto y no imitativo; necesidad que fue adquirida también por pintores victorianos que venían de pintar rosas y hojas, hasta que se dieron cuenta que las lineas sencillas de las plantas se adaptan con mas facilidad a las lineas de trabajo. Aquí aparecen algunas características importantes del modernismo.

Comentario:

El trabajo en cuero de este libro, realizado por Victori Prouvé, le da un carácter completamente diferente a la imagen que esta plasmada, evoca a la naturaleza y el trabajo manual, que es una de las cosas que los modernistas buscaban en principio, la naturaleza significaba desarrollo y era importante tener esto en cuenta en las obras así fuera como ornamento. 

Me gusta y admiro la forma en la que del cuero el pintor puede crear colores tan vivos y expresivos, también el nivel de abstracción tan equilibrado, suficiente para que no se vea saturado de información y para que se capte la esencia de la obra.

Paula Andrea Sanchez Sanchez